• Existen dos mundos musicales en los humanos: el mundo sonoro interno de la imaginación, incluyendo los sueños, y el mundo externo que nos rodea y que se percibe por los oídos principalmente, así como a través de los canales sensoriales de la visión y el tacto.
  
  
• La música se puede considerar como un fenómeno comunicacional y expresivo de nuestra especie, que sucede en todas los seres humanos, sociedades y culturas en la historia de la humanidad, y como transmisión cognitiva se generó mucho antes que el lenguaje hablado (Levitin 2008).
  
  
• Es un acto en tiempo real en coexistencia presencial entre dos entes: el emisor y el perceptor o múltiples de ellos, lo que conlleva a su extensa socialización y disfrute colectivo, en el cual se expresa y se capta un orden a través de construcciones temporales, así como una expresión emocional profunda. La percepción de sonidos a través del oído, convertidos en música por el ser humano perceptor, es un procesamiento altamente complejo de la mente humana a tiempo real, paralelo a la línea de tiempo de vida de cada ser, y aprovecha las posibilidades especiales perceptivas y de memoria del sistema del oído. El orden temporal puede inducir la sensación común en ambos entes de una medida regular llamada pulso, que sirve para la comprensión de las estructuras rítmicas. Su velocidad o tempo se mide en pulsos por minuto (ppm), con un rango de existencia limitado que llamamos el "Rango Musical" (±35 – ±200 ppm). Sin embargo, existe música que no induce la sensación de pulso ni genera asimilación de orden temporal en el perceptor al no haber cambios por un tiempo extendido, anulando así el análisis auditivo y predicción en la mente. Este tipo de música sin aparente orden puede invocar a la relajación, meditación y sueño. Cualquier manifestación de orden temporal dentro del Rango Musical, aún sin ser constituido de sonidos, se percibirá como "musical". De la misma manera, cualquier orden temporal fuera de este rango, aún con sonidos, no se entenderá como musical ni se podrá captar su orden y construcciones por el oído. La inducción de la sensación del pulso ye inducción emocional en todos los actores en el proceso musical, es quizás el único momento en que la humanidad está al mismo tiempo junta y completamente de acuerdo con el mismo sentir de vida.
  
  
• La música sólo existe concretamente en el acto de percepción, donde la memoria de lo anteriormente escuchado, el instante de escucha en el presente, anticipaciones de lo que puede venir formadas por la aprehensión de patrones, esquemas y secuencias, así como su análisis frente a experiencias archivadas en la memoria de cada oyente, construyen lo comunicado como un todo. La transmisión es subjetiva a través del efecto del orden temporal y la complejidad de la percepción sonora simultánea, que logra la inducción de expresión de emociones, goce, de orden, belleza y movimientos del cuerpo que despiertan sentimientos, recuerdos, y asociaciones en el oyente. Por lo tanto, la música puede funcionar como un vehículo de expresión de las emociones por parte del emisor que los evoca en cada ser perceptor, cada uno a su manera. La percepción de música es completamente personal y subjetiva. Su interpretación y comprensión es diferente en cada perceptor por depender de su bagaje acumulado de experiencias sonoras y musicales, su capacidad de escucha y procesamiento, es decir, cada quien entiende la música a su manera. No obstante, los creadores de música, los compositores, se adiestran en técnicas para lograr generar en todos los oyentes las mismas reacciones emocionales, como sorpresa, clímax y distensión ,entre muchos otros. Ese es su arte.
  
  
• Es aún una interrogante si pudiéramos entender la producción de similares enunciados por otras especies como las ballenas, delfines y especialmente los pájaros, o viceversa (ver música ecológica), así como efectuar análisis musical del canto de los pájaros, de los ritmos de los insectos y las luces de las luciérnagas en su baile de amor lumínico y silencioso.

1. Altura
La altura es una sensación mental resultado de la percepción a través del oído de la vibración de la onda sonora, medida en Hertz o ciclos por segundo, dentro del rango auditivo humano de frecuencias entre ±16 Hz y ±22.000 Hz. Es una línea continua percibida en nuestra cultura desde grave a agudo, reflejado usualmente en la traducción espacial desde "abajo" hasta "arriba", que le otorga su término en español de "altura". Puede ser también percibida físicamente como vibraciones a través de la resonancia corporal con las frecuencias graves. El oído humano es altamente sensible a los cambios de altura y a su memoria.

2. Intensidad
La intensidad es una sensación resultado del tamaño del desplazamiento de la onda sonora desde el punto de partida, correspondiente al movimiento del cuerpo que vibra, traduciéndose mentalmente como una gama desde silencio, suave a fuerte, y se mide en decibelios o decibeles (dB). Exposición a más de 85 dB por 20 minutos es dañino al sistema nervioso humano. El oído humano detecta cambios de intensidad por contraste, así como por alteraciones continuas y graduales en el tiempo entre sus extremos.

3. Timbre
Sensación auditiva resultado de la detección por el oído de un todo constituido de: un sonido fundamental de variadas ondas (sinosuidal, cuadrada, etc.), armónicos o sonidos parciales y sonidos complejos ("ruidosos") en diferentes intensidades y duraciones, y en el desarrollo en el tiempo de la curva de intensidad del sonido al producirse, llamada la "envoltura" o "envolvente". Ésta se constituye de su "ataque", "decaimiento", "sustain", y "relajación" (ADSR). Al timbre le conoce también como textura, color, densidad, temperatura, entre otros términos empíricos, y se le ha relacionado en analogía al color visual. La manera más directa de describir el timbre es relacionarlo a un instrumento o término que describa un ruido o sonido complejo. Varía con la humedad del aire, por la constitución del cuerpo emisor y por el recinto donde suena por afectación de su reverberancia, eco y la absorción o resonancia de los sonidos y sus armónicos por los materiales y sus formas del recinto donde se escucha. El oído humano es altamente sensible a cambios de timbre por contraste.

4. Ubicación espacial de la fuente
Lugar de donde se origina el sonido. En la descripción física del sonido, usualmente no se toma en cuenta esta característica de la fuente sonora, ya que hace referencia a otro aspecto externo de quién la escucha, factor que no pertenece a la descripción física del sonido. El humano es capaz de ubicar la fuente sonora en 360º grados esféricos a su alrededor a través de sus dos orejas.

5. Duración
El sonido puede sonar con diferentes duraciones, que se mide en segundos y minutos. No obstante, en la descripción física del sonido, su duración es independiente de la línea del tiempo en que se escucha por un oyente, es decir, es simplemente un tamaño, corto o más largo, de su medida temporal (seg./min.) en que se hace sonar.

2. Altura
En la mayoría de las culturas musicales esta línea continua está dividida en escalones de altura constituidos de cierta separación, llamados en nuestra cultura occidental "intervalos" de tonos y semitonos por un total de 12 notas en semitonos dentro de una vibración y su duplicado exacto en Hz, llamada una octava. Con la combinación de estas separaciones diferentes en sucesión lineal, se construye un orden de alturas (modos y escalas), y se logran estructuras de sucesión de alturas en el tiempo (melodías), de aparición simultánea de alturas (armonías y acordes), o la aparición desglosada de éstas en el tiempo (arpegios –acorde y melodía juntas), y construcciones complejas derivadas (polifónicas, armónicas, seriales, de pitch-class, etc.). Similar al ritmo, las construcciones de altura determinan directamente el vínculo de pertenencia cultural, regional e histórico de la música. En nuestra cultura, su notación escrita es refinada y precisa.

3. Intensidad
La intensidad del sonido y su variación se aprovecha en la música para establecer el orden rítmico, pero puede expresar una carga emocional directa, como en su máxima expresión de fuerte o en su expresión contraria. El grado de intensidad no se percibe con precisión por el oído, sino por contrastes, y su notación es empírica utilizando palabras en italiano (forte, piano, mezzoforte), o detectada con precisión en decibelios (dB), aunque esta medida no se utiliza en la notación ni en la ejecución musical occidental, y su construcciones se sirven del contraste dejando libre a la interpretación el grado de intensidad que se utilice en su ejecución. También es conocido como una propiedad de "volumen" en dispositivos más recientes, pero hay que destacar que en música "volumen" tiene un significado tímbrico cuando pocos o muchos instrumentos tocan a unísono y obtienen el efecto coral. El cambio de intensidad es conocido como "dinámica", y en conjunto con cambios de tempi graduales, como "matiz". Cuando es abrupto, se conoce como acento (>), y cuando es gradual en el tiempo, como crescendo (de menos a más intensidad), o decrescendo (de más a menos). La ausencia de intensidad, cuando las curvas de la onda están en cero y no hay vibraciones, no hay sonido ni música, se entiende musicalmente como silencio, a pesar de que puede existir sonidos del entorno, y el silencio se convierte dentro de la línea del tiempo musical en un espacio concreto y medible de tiempo. 

4. Timbre
Las mezclas y cambios en el tiempo de timbres puede comunicar un orden rítmico así como contrastes formales y expresar emociones. Se detalla con el cambio de instrumentos, sus combinaciones, y las diferentes articulaciones que cada instrumento puede lograr. La variación tímbrica se detalla como técnicas de instrumentación, orquestación y arreglo, y especialmente constituye el sistema de lenguaje de la música electrónica. Los instrumentos tienen un alto grado de significado de pertenencia cultural, regional e histórico, y el timbre de sus instrumentos es altamente significante como indicador de pertenencia.

La diferenciación de origen de la fuente sonora se utiliza musicalmente en diferentes culturas como en las sikuriadas de Bolivia donde las flautas de pan "sikus" se ejecutan entre dos entidades (solos o en grupos) que complementan alternativamente las notas de una melodía o ritmo a través de la emisión de diferentes fuentes, obteniendo una organización comunicada por las diferencias espaciales de la aparición del sonido. Esta técnica del "hoquetus", se utilizaba vocalmente en la música polifónica de la escuela de Notre-Dame en el siglo XIII en París, y en la Venecia de finales del siglo XVI con Giovanni Corelli. Se practicaba la música poli-coral o cori spezzati (coros separados), donde los coros se ubicaban en diferentes lugares de la iglesia y se respondían dentro del mismo canto. Este recurso en la técnica rítmica linear de alternancia de notas, alturas o acordes en las fuentes del sonido, cobró auge a partir de mediados de los años 60's cuando se cambió la producción de acetatos de mono a estéreo compatible y surgió la estereofonía, quadrifonía, y surround-sound, utilizada también en los cines y sobre todo en la música electroacústica, pero reduciendo la escucha al ámbito de sólo dos fuentes: de la izquierda y de la derecha, anulando otros espacios posibles. En la composición contemporánea, la pieza Hoketus de Louis Andriessen (Países Bajos, 1976), resalta por su uso extenso y efectivo de esta técnica. Existen auditorios de instituciones especializadas cuya audición es completamente alrededor del oyente  en una sala  llena de altoparlantes, como el Kubus del ZKM - Zentrum für Kunst und Medien, en Karlsruhe. La misma naturaleza nos provee de un envuelto inmenso de sonidos maravillosos de insectos, pájaros y grillos, que ha evolucionado lamentablemente a un globo de ruido en cada ciudad.

Similarmente, el oído detecta el punto temporal dentro del ciclo circadiano del perceptor, por la necesidad de reducir el riesgo del acecho y peligro al establecer qué sonidos son normales, y cuáles son excepcionales a determinado momento del día y noche del perceptor. La característica del sonido por su aparición en un punto temporal del ciclo circadiano del oyente se ha utilizado muy poco en nuestras culturas, pero se resalta la escucha de las campanas de una iglesia en su hora, el ruido del tráfico, camiones y trenes a ciertas horas pico en las ciudades, así como los sonidos regulares de ciertos animales en el entorno natural tropical como los pájaros, sapitos, grillos y, especialmente, las guacharacas vueltas locas temprano en las mañanas.

6. Relación comunicacional "e-->p"

emisor ------ (medio) ------> perceptor

El comportamiento musical, su acción de ser, se origina cuando el emisor hace sonidos. Puede ser una sola persona o un dispositivo o múltiples emisores simultáneamente, como en el caso de una orquesta. El perceptor no es sólo un receptor que asimila sonidos, porque además los analiza, guarda en memoria, predice y deduce, dentro de un proceso mental  altamente complejo y a tiempo real, que construye el enunciado musical completo en su memoria. El emisor (o sus múltiples) puede ser al mismo tiempo también el perceptor que se escucha a sí mismo. El emisor utiliza instrumentos para generar sonidos que pueden ser desde su voz y cuerpo, hasta sofisticados y complejos dispositivos construidos para tal fin, a los que llamamos instrumentos musicales y equipos de sonido. La comunicación sucede a través de un sistema de lenguaje común a los dos entes, determinado por la cultura, región y tiempo histórico en donde se origina o existe, con una selección en diferentes grados de los elementos musicales a utilizarse.

emisor --------------- (medio) ------------> perceptor
|-------------- Contexto cultural, regional e histórico -------------|
|-------- Sistema de Lenguaje común ------|
|---------------------Enlace ----------------------|
visual y presencial en tiempo real

Para el traslado del sonido, el medio puede ser un elemento sólido o líquido, y para el caso de los humanos, usualmente es gaseoso como el aire, que transmite las ondas sonoras de las vibraciones producidas por el emisor. Pueden ser varios medios encadenados, incluyendo cualquier tecnología comunicacional. Sin este medio, no se escucha nada por parte del perceptor al menos de que se transmita a través de la visión o el tacto, y en estos casos sería sólo con los elementos de ritmo, espacio e intensidad. Los dos actores, emisor y perceptor, están enlazados en el mismo lugar y en el mismo momento en que el acto musical sucede. La respuesta por parte del perceptor es la aprehensión de orden, belleza y emociones por un lado, y la respuesta rítmica inducida de sus movimientos corporales con el pulso, que eventualmente conduce al baile, entretenimiento y disfrute colectivo.

7. Expresión visual
Este elemento consiste en la comunicación y expresión visual del ejecutante (emisor) con el oyente (perceptor), en el acto de emisión de música, comúnmente por medio de gestos y movimientos al verlo ejecutar, como también alcanzando la sofisticación de la conjunción de música con danza, con cine y videos, así como la conexión estrecha que utiliza la música visual, y los efectos leves de la sinestesia. La presencia conjunta de ambos entes, el emisor y perceptor, añade el componente visual en el acto musical, el cual fija una relación visual originaria entre los dos entes, del espacio donde sucede y sus características culturales y regionales. Al iniciarse la transmisión de música por radio a principios del siglo XX, se entró en la era de la "música ciega", en la cual el perceptor escucha pero no ve al emisor. Luego la tecnología de la grabación desligó el enlace temporal y visual con el emisor, hasta que esta situación cambiara radicalmente al aparecer sucesivamente el cine, TV, videos, MTV y ahora YouTube y redes por internet. Estas tecnologías permiten cada vez mejor la presencia visual del ejecutante aunque se haya originado en otro lugar y momento, desligado de los enlaces presenciales que constituía el acto musical desde tiempos ancestrales. A pesar de que se puede escuchar muy bien la música así como tocar un instrumento perfectamente con los ojos cerrados, el arte sonoro fue incluyendo cada vez más el componente visual, el cual se desarrolló paralelamente e independiente, adquiriendo protagonismo al evolucionar los dos canales, visión y música, de forma autónoma. En muchos casos, la música pasó a ser simplemente un acompañante o soundtrack de la imagen visual, como sucede en el cine y videos.

Memoria
Utiliza el recurso académico en todo su sentido para su preservación y educación de su música, con el registro escrito en la notación musical gráfica de la partitura, así como últimamente en grabaciones A/V.

Sentido de Pertenencia
En la MdO, la pertenencia es regional dentro del ámbito restringido de Europa central, indicado por la nacionalidad del compositor y de la época de su existencia, que determina el sistema de lenguaje y estilo (eje.: barroco, clasicismo, romanticismo). Esta referencia regional es leve, pero a mediados del siglo XIX y sobre todo en la primera mitad del siglo XX surgió a través de la apropiación de lo regional en diferentes países del globo, el movimiento del "Nacionalismo", en términos de leyendas, ritmos y construcciones de altura, pero sin el uso de los respectivos instrumentos regionales.

Apropiación Cultural
Los sistemas de lenguaje e innovaciones que se destacan en las obras canon, ejercen una influencia de estilo que sirve como base a muchos otros compositores que los copian y reusan, a manera de "influencia," formación de "escuelas" de composición, o metodologías que absorbe el sistema educativo de academia y las enseña. La MdO emplea una apropiación llamada exotismo así como la corriente del nacionalismo y el postmodernismo.

Sistema de Lenguaje, Instrumentos
El sistema de lenguaje se ha ido desarrollando paulatinamente durante toda su historia por las innovaciones de los compositores, cuya obra determina su período y adquiere el nombre estilístico que divide la producción: renacimiento, barroco, clasicismo, romanticismo, etc. Este desarrollo ha sido principalmente en la construcciones y ordenamiento de alturas más que en ritmo, y últimamente en el timbre con la música electrónica.

El instrumental es casi siempre igual, la orquesta sinfónica, con sus variaciones en el tamaño de ensambles (cuartetos dúos, quintetos, etc), variaciones en los instrumentos de percusión. Los teclados forman parte central (órgano, clavicordio, clavecín y pianoforte) y, antes del siglo XVII, voz y coro. La música electrónica y electroacústica aportó a partir de los 1950's un instrumental completamente diferente, así como el acto de ejecución.

Productos y Actores
Se producen primordiálmente ediciones y ventas de partituras y, en segundo plano, grabaciones con la industria musical, pero la producción musical de este dominio es principalmente a través de conciertos en vivo usualmente en salas de concierto. La música se ejecuta casi siempre igual, sin arreglos ni cambios, sino con pequeñas variaciones de tempo e intensidad. Antes de la existencia de la imprenta y las grabaciones, la producción de música de obras estaba ligada estrechamente al comando de la alta jerarquía y sus necesidades, y previamente como estrecho servicio a la religión Cristiana, que además le garantizaba al compositor un oficio estable y remunerado como Maestro de Capilla. En este dominio, la determinación de obras canon y la designación de objetos de arte, es particularmente acentuado, así como su frecuente ejecución. Este proceso, sin embargo, no se ha continuado desde el comienzo del siglo XX y existe actualmente una ausencia de interés en este dominio por las obras contemporáneas, y se ha concentrado en hacer oír y estudiar un mismo repertorio reducido de obras compuestas antes del siglo XX. Esta separación se analiza en profundidad para el caso de Venezuela en el  artículo:
La Composición en Venezuela: ¿Profesión en peligro de extinción? Un Análisis de Contradicciones

Por otro lado, la creación musical en este dominio, que es un enfoque primordial porque es de "obras", no sigue ninguna prescripción ni reglas estipuladas. Es un grave error comúnmente enunciado, de que para componer arte musical se deben seguir reglas académicas estrictas, cuando la innovación, que es muy importante para la creación en este dominio, no sigue ninguna regla, y se convierte en la "vanguardia".

Ya que lo más importante son las obras, hay un efecto de marcado olvido de los ejecutantes, directores y de todo el resto de los actores en la actividad musical en este dominio. En su memoria histórica, las obras y sus compositores son los únicos actores que sobreviven. Existe una división tajante entre los creadores y los ejecutantes y, usualmente, la mayoría de los ejecutantes sinfónicos, no son creadores. Estas dos funciones están completamente separadas. Últimamente, desde los años 1970, el foco de atención se ha girado hacia el director de orquesta, como culto a la personalidad, dejando actualmente en oscuro y olvido al compositor contemporáneo. Esta presunción no tiene fondo ya que el director no deja en su trayectoria sino nuevas grabaciones de las mismas obras que muchos otros han ya grabado del mismo repertorio sinfónico establecido en este dominio, y sus diferencias y aportes personales como creadores en la dirección son mínimas. Pero el director tiene toda la atención centrada del público en los conciertos, a pesar de estar de espaldas, y le otorga personalidad especial al ritual de la ejecución.

Función
Disfrute individual y colectivo, de obras usualmente complejas y largas.
Anteriormente y por muchos siglos, asistir musicalmente al servicio religioso Cristiano.
Creación y ejecución de obras canon como arte musical.
Lograr avances con innovaciones de sistemas de lenguaje, conceptos e instrumental por parte de los compositores.

Memoria
Este dominio cuenta con el procedimiento más preciso y exacto de preservación de la música, que es la grabación A/V. A pesar de que la grabación necesita un soporte para fijarse como objeto (cinta, acetato, CD, nube, etc.), y estos soportes han evolucionado en muy poco tiempo y han cambiado de tipos de formatos así como sus lectores han dejado de existir. La grabación es superior como vehículo de alta fidelidad al original, ganándole a la partitura. Tiene una dependencia a la tecnología electrónica del sonido para su escucha, pero como vimos anteriormente, le inflige grandes cambios a la esencia de la música.  Este dominio no cuenta con la institucionalidad académica para su preservación sino en pocos casos, existiendo una tendencia lenta hacia la academización. La memoria en este dominio se establece principalmente a través del culto a personalidades, virtuosos ejecutantes, ídolos, agrupaciones, y a través de algunas piezas que logran convertirse en canon, pero como los medios renuevan su contenido para el flujo del consumo, no hay sensación de memoria estable. El compositor y arreglista no son tan relevantes en la punta de la memoria sino más bien el ejecutante, al menos de que sea cantautor, que por supuesto adquiere una mayor jerarquía. Se utilizan símbolos y logos, materiales POP, textos, filosofías, conceptos, función social, comercial, ideológica o política, cambios sociales, oportunidad, influencias e impacto. En términos de memoria a largo plazo, las obras grabadas en audio, film o video, o en partituras editadas o digitales son los productos con capacidad de permanencia, como sucede en la Música de Obras.
 
La Música de Medios es de los tres dominios la menos considerada por la academia, con cierto trato despectivo, estado de depreciación que está al fin cambiando desde los años 1980. A pesar de este abandono casi completo y su evidente dificultad de memoria e historia, este dominio utiliza recursos de notación musical y lectura, y mucha alta tecnología para la producción de sus objetos musicales.
 
Sentido de Pertenencia
La identificación y sentido de pertenencia se establece por generación o coincidencia de edades: sus padres,  y sus hijos, lo que se escucha en su círculo familiar, del colegio y amigos, y por el género o tipo de música que se escucha y se disfruta. Las mismas generaciones oyen cierta música y se identifican con ella en definición por edad, vestimenta, accesorios y comportamientos, y no por la región geográfica ni cultural de onde se origina. Sólo dentro de las características del artista pop, se puede destacar su nacionalidad o descendencia cultural, como por el idioma en que canta y principalmente por el ritmo de la música.

La MdM pierde su relación de pertenencia cultural, pero se puede relacionar como originaria de un país/cultura determinada del globo, pero no es lo más importante. La relación de pertenencia se ejerce hacia el patrón cultural/ideológico/grupo de edad que el actor principal emana. La pertenencia es dirigida hacia la generación y género de su escucha activa en comunidad en cierto momento de la vida del oyente, definida principalmente por el ritmo que crea el género, el protagonista así como los instrumentos y sus combinaciones, solistas especiales, virtuosos.
 
Apropiación Cultural
La MdM atrae y jala a los otros dos dominios parcialmente, por su gran ventaja en difusión, promoción y ventas, para la industria musical o turismo. Utiliza los sistemas de lenguaje, instrumentos, ritmos y músicas de cualquier región o época, dentro de una apropiación global.

Sistema de Lenguaje, Instrumentos
El sistema de lenguaje está basado en la armonía tonal homofónica, dentro de una gama muy variada de sofisticación armónica y formal, así como de virtuosismo instrumental, con poca evolución. usualmente se desarrolla con la incorporación de instrumentos nuevos o efectos especiales de orden electrónico.
Los instrumentos son casi siempre iguales, eléctricos, electrónicos y amplificados.
Sección rítmica: bajo, batería, percusión.
Sección armónica y solista: guitarra eléctrica y/o electroacústica, teclados, vientos metal y madera.
Sección solista principal: voz + voces, instrumentos solistas.
Sección sonidista: Amplificación y monitoreo en vivo, efectos especiales, pantallas.
Sección otros: luminito, bailarines, escenografía

Productos y Actores
En este dominio no se determinan asignaciones de canon ya que los sistemas de lenguaje, estilos, ritmos y géneros son diferentes y diversos, por lo que es imposible establecer un canon sino a través de los artistas mismos, y cambian con cada generación, pero sí dentro de personalidades y géneros como representantes en su historia.
Existe una gama muy amplia de estilos a nivel mundial, así niveles de elaboración, desde versiones de covers idénticos al original hasta el virtuosismo instrumental del jazz y rock y arreglos sofisticados de bandas y grandes orquestas.

El comienzo de la actividad en este dominio, usualmente en temprana adolescencia, adquiere una referencia de cultura generacional y, en menor grado, de vínculo regional. La iniciativa es siempre la atracción por la magia de la música y de hacer música, pero al entrar los actores en la industria, ya se convierten en una pieza de la estructura de mercadeo empresarial. La producción de música en este dominio incluye además de los ejecutantes de los instrumentos y voz, a un equipo grande y elaborado, indispensables todos para la realización del concierto en vivo como de la producción de la grabación A/V, como su mercadeo final. Estos pueden incluir:  el productor ejecutivo, gerente general, asistente de producción, sonidista, luminito, roadie, transporte, gerente de medios, de redes sociales, ventas y mercadeo, diseñador, ingeniero de sonido, reparación de instrumentos, el video productor y director, coreógrafo, maquillador, peluquero y vestimenta, entre muchos otros. El performance obtiene más valor que la composición y el arreglo. Igualmente, el ingeniero de sonido quien garantiza que se oiga y se grabe de la mejor manera, así como también el gerente y el productor, no son visibles a pesar de cargar con bastante peso del éxito que se pueda lograr. Pero en este dominio es el ejecutante quien da la cara mediática, es el principal actor, indiferentemente si es el creador o no.

La medida de éxito en la música de medios es básicamente la producción de riqueza y el reconocimiento social (fama) del artista, y se incorporan dos vías de creación de igual importancia, la composición y el arreglo (ver más adelante), y en el otro lado paralelo, el nivel de la ejecución y grabación. La formación del canon es bastante difícil para determinarse en este dominio, por las diferentes perspectivas de éxito que se pueden manejar: Logros de popularidad que se pueden medir en ganancias producidas, números de piezas vendidas, la escala anunciada en listas de ventas (Nº 1 por tanto tiempo), cantidad de producción, duración de su carrera, influencia en otros artistas y formación de un estilo propio, innovaciones instrumentales y conceptuales, calidad musical y singularidad cultural de referencia. Ver más abajo "Valorización".

Función
La función de la Música de Medios en general es de entretenimiento, fiesta y baile, a pesar de contar con su utilización en culto religioso por parte de la religión Cristiana en su servicio de la misa con intérpretes en vivo. Es también un vehículo de expresión y utilización ideológica y política (ver artículo sobre la Canción de Protesta), como en los años sesenta y setenta en el Reino Unido y en EUA, así como en Venezuela, con la reutilización de un héroe pop ya muerto, Alí Primera, durante el gobierno de Hugo Chávez a partir de 1999. Resumiendo:
Entretenimiento, baile y disfrute individual como colectivo.
Servir a la industria musical con alta capacidad de remuneración y ganancias.
Servir a sistemas religiosos, ideológicos, políticos y personales.